Da SegnoOnLine - Quattro artisti, un solo indirizzo: Studio la Città a Verona

Quattro mostre, quattro artisti, quattro modi diversi di misurarsi con il tempo: è il progetto con cui Studio la Città presenta Stuart Arends, Lucas Reiner, Hiroyuki Masuyama e Mikhael Subotzky, riuniti negli ambienti della galleria lungo l’Adige. Le quattro personali occupano porzioni autonome dello spazio e mettono in campo linguaggi molto diversi: la cera modellata, la pittura
a olio, la luce, la fotografia e il collage. Una scelta che non sembra cercare un tema comune a tutti i costi, quanto piuttosto costruire un confronto per prossimità e distanza. La stessa galleria presenta l’insieme come una riflessione sul proprio passato,
presente e futuro: quattro ricerche diverse, dunque, attraverso cui guardare anche alla storia di Studio la Città e alla sua direzione attuale.
Il percorso comincia dalla cera di Stuart Arends, una materia alla quale l’artista è tornato dopo aver attraversato tecniche e materiali diversi. Series X nasce dal confronto con le sculture in cera di Medardo Rosso e si lega idealmente al precedente ciclo P.D.F., ispirato a Piero della Francesca. Arends parte da blocchi di cera d’api, trasparente e raffinata oppure grezza e bruna, e lascia che siano la materia stessa e il rapporto con lo stampo a guidare la forma. Anche il colore segue questo processo:
il pigmento a olio viene talvolta aggiunto alla cera ancora liquida, prima della colata, oppure applicato una volta solidificato. La cera porta Arends verso una dimensione tattile e raccolta che attraversa una parte importante della sua ricerca. Da oltre quarant’anni l’artista lavora infatti su forme volutamente semplici, spesso riconducibili a strutture elementari, interessandosi meno alla rappresentazione che alla capacità fisica della materia di trasmettere un’esperienza.

In parallelo, Lucas Reiner presenta Renaissance Removal Paintings, un ciclo per portare in primo piano ciò che è destinato a restare sullo sfondo.
Gli alberi sono il suo soggetto dal 2001, quando ha cominciato a disegnarli lungo le strade di Los Angeles, osservandone soprattutto le forme più comuni, irregolari, talvolta malridotte. Da allora sono diventati una presenza costante nella sua pittura,
fino a spostare l’attenzione verso quello spazio che, nella costruzione tradizionale dell’immagine, rimane apparentemente secondario. È da qui che prende forma Renaissance Removal Paintings. Reiner interviene sui paesaggi della pittura rinascimentale
isolando gli alberi e rovesciando una gerarchia visiva consolidata. Il lavoro di Reiner si sostanzia nel tentativo di capire cosa accade quando si cambia il punto di vista: cosa rimane sullo sfondo, cosa conquista il primo piano e, soprattutto, perché siamo
abituati a guardare alcune cose prima di altre. In mostra arrivano due tele nate da sette ore di disegno al Prado, Finding Moses, or Out of the Water e Adam and Eve, or The Garden, insieme a tre ritratti e alla proiezione di Between Hope and Alameda,
film realizzato a Los Angeles con Heather Seybolt.
Il viaggio verso Madrid ha lasciato nelle opere una traccia inattesa: era il primo compleanno del fratello dopo la sua morte, fuori pioveva, e Reiner trascorse ore a disegnare esclusivamente gli alberi sullo sfondo dei dipinti.
La terza mostra introduce un’altra dimensione. La ricerca di Hiroyuki Masuyama nasce dall’osservazione diretta della natura, coltivata fin dall’infanzia attraverso piante, animali e insetti, ma nel tempo si è spinta verso una dimensione più ampia, fino
all’universo. Between Light and Shadow mette in relazione due estremi apparentemente lontani: il ciclo minimo di una pianta e la profondità dello spazio cosmico. A partire dal 2010, Masuyama ha infatti sviluppato una ricerca sul rapporto fra tempo, spazio e trasformazione, utilizzando anche pittura e luce per costruire immagini nelle quali la luce delle stelle diventa una sorta di archivio temporale. Ciò che vediamo nel cielo, in altre parole, porta già con sé una distanza e un tempo trascorso. Accanto alle
installazioni, la mostra presenta lavori più silenziosi, come Inkalilien, ottenuti registrando giorno dopo giorno l’ombra di una pianta mentre cresce. È una delle tensioni più interessanti della ricerca di Masuyama, che passa continuamente dal microcosmo
al macrocosmo, dalla durata quasi impercettibile di una foglia alla luce che attraversa distanze astronomiche. Luce e ombra non sono soltanto strumenti ottici, ma vere e proprie misure del tempo.
A chiudere il percorso è Mikhael Subotzky con Water and Sunlight: una ricerca in cui fotografia, collage e pittura diventano strumenti per interrogarsi su come le immagini costruiscono la realtà.
Partendo dal contesto sudafricano, l’artista attraversa questioni sociali, storiche e politiche, concentrandosi sul rapporto tra ciò che un’immagine rende visibile e ciò che, al contrario, lascia fuori campo.
Dimensione privata e collettiva finiscono così per sovrapporsi: identità, appartenenza, memoria familiare e storia post-apartheid confluiscono nello stesso campo visivo. Attraverso la tecnica dello Sticky Tape Transfer, Subotzky applica un comune nastro adesivo su una fotografia stampata e lo rimuove sollevando con sé il pigmento. L’immagine viene così trasferita, frammentata e ricomposta in una nuova configurazione: talvolta organizzata in trittici, talvolta lasciata libera, semitrasparente
e irregolare. Un procedimento che introduce nella fotografia una dimensione temporale, ciò che sembrava fissato e definitivo viene separato, spostato e ricomposto, trasformando l’immagine stessa in un luogo di memoria, perdita e riscrittura. Non è un
caso che Studio la Città sottolinei, a proposito del lavoro di Subotzky, il rapporto fra tempo, famiglia e generazione. In opere come Jacaranda/Hermanus del 2023, il procedimento arriva a sovrapporre immagini e memorie differenti, comprimendo tempi
diversi all’interno di una stessa superficie.
Quattro mostre, dunque, ma anche quattro diverse modalità di intervenire sul tempo. Arends lo rallenta dentro la materia; Reiner lo riapre nella storia della pittura, riportando in primo piano ciò che era stato relegato sullo sfondo; Masuyama lo osserva attraverso la luce, dalle ombre di una pianta alla distanza delle stelle; Subotzky lo frammenta e lo ricompone insieme alle immagini della memoria. Cera, pittura, luce e fotografia non formano un linguaggio comune, e forse è proprio questa distanza a rendere significativo il loro incontro. È in questo movimento fra ciò che è stato, ciò che accade e ciò che può ancora accadere che le quattro mostre trovano il loro punto di contatto.

Posted by  Alice Salta
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